Se conheço um casal feliz esse é o formado por Música e Cinema. Assim que conheci Arcade Fire fiquei impressionado com a qualidade dos arranjos e letras que me faziam viajar como num bom longa. Daqueles que te despertam emoções nunca antes vividas ou que dificilmente iremos viver para sentir. O filho daquele casal feliz, o videoclipe, nos transmite por cinco ou seis minutos aquilo que normalmente sentiríamos em longas. Mas e quando não se trata de uma única faixa, e sim uma ópera, como o álbum The Suburbs (2010)?

É só chamar o diretor de  It’s Oh So Quiet, da Björk e Sabotage dos Beastie Boys e também ganhador do Oscar por Quero Ser John Malkovich. É, o Spike jonze mesmo. Ele é o responsável pelo curta Scenes From The Suburbs, que sintetiza o sentimento que o Arcade Fire tenta passar em seu último álbum. Nesse link você assiste com legendas em português. Tem que se cadastrar. Coisa rápida e que muito vale.

Machado de Assis, Shakespeare e uma crônica sobre o sentimento de perda. Perda de tempo, de juventude, de amigos. A vida que passa sem controle. O desejo do apego e aqueles que desapegam. O primeiro e talvez o último verdadeiro amor. O proibido e o lícito. Dilemas que temos de lidar todos os dias de nossas vidas. Vinte e nove minutos e dez segundos de sentimentos universais. Assistam.

Não espere uma história nova. A mensagem é simples e direta: A vida é sua e só você tem o poder para mudá-la. Sucker Punch trabalha esse tema “autoajuda” de modo simples e poético. A história da garota rica que vira órfã e tem seu padrasto como pior inimigo já foi utilizada diversas vezes. A órfã que é colocada no hospício para sofrer todo tipo de abuso e foge para seu mundinho especial dentro de si, também. Então o que torna Sucker Punch tão especial? O visual e a trilha sonora.

Quem viu Watchmen e 300 já sabe que o diretor Zack Snyder sabe muito bem como lidar com mundos alternativos. Sucker Punch trata do real e do onírico, sendo os sentimentos que envolvem a dança e a música a entrada e saída. É como se estivéssemos diante de uma bela Graphic Novel. Suas cores e sequências de ação, igualmente campo comum para aqueles acostumados com Final Fantasies em geral, são de tirar o fôlego. Atenção especial para a sequência do trem, em que sonho e realidade se fundem belamente, envolvidos por uma trilha sonora de igual adjetivo e sem qualquer ruído na comunicação.

A atuação de Emily Browning como Baby Doll nem é das melhores e esse é o charme. Uma pessoa ferida pela vida que luta com todas as armas possíveis para continuar vivendo não importa como. Vanessa Hudgens deixou seu o lado Disney teenage e  trabalha em harmonia com suas companheiras de tela, Jena Malone, Jamie Chung (Dragon Ball. Pois é.) e Abbie Cornish. Notem que não é um time de super estrelas para um super filme. Esse não é o objetivo de Sucker Punch. O objetivo? Já disse no primeiro parágrafo. E claro, ganhar os prêmios técnicos do Oscar 2012.

A tag line de Sucker Punch aqui é: Mundo Surreal. Sério, Brasil? Ai, ai.

Em tempo. Quem assina a música são Tyler Bates e Marius De Vries. Marius também assina o meu filme favorito, Moulin Rouge. Fica aqui minha indicação.

Milhas e milhas carregando um peso muito maior que o seu nas costas. Por anos andando em passos já caminhados para tentar atingir a perfeição. Saber que a perfeição só é possível através de um sacrifício. Sacrifício que pode ser a vida social ou a vida amorosa ou talvez a sanidade. Nina, a personagem de Natalie Portman (que segue chorando por todos os filmes em que atua), descobre que para deixar a todos felizes terá de sacrificar um ou mais de um desses tão preciosos.

De uma família de renda média  com uma mãe (Barbara Hershey) antes bailarina sem muito destaque mas com muitos distúrbios psicológicos que foram herdados pela filha Nina, põe todos os seus desejos sobre esta quando fica sabendo que a filha ganhou o papel de Rainha Cisne, o papel principal de uma releitura de Lago dos Cisnes. Antes uma garota fechada, de movimentos pensados, agora deve se entregar à loucura para atingir as expectativas de todos. Thomas (Vincent Cassel) seu diretor deseja que ela se liberte e apela para a sexualidade, caminho mais fácil para o auto conhecimento, traçado duramente pela garota que dorme ao som da caixinha de músicas enquanto dezenas de bichinhos de pelúcia guardam seu sono. Lily (Mila Kunis), a garota adulta viajada que trás a libertação no bolso tenta ajudar a amiga. Sua ajuda é como um líquido, que preenche todos os espaços vazios que Nina tem em sua mente. Essa aproximação doentia navega entre o racional e seu antônimo. O final previsível surpreende e emociona por sua execução.

Cisne Negro é um forte candidato ao Oscar por tratar da loucura de forma não apelativa e sim poética graças a peça teatral e a bela atuação de Natalie Portman e Mila Kunis. A primeira que se entrega à loucura desejada pelo pesado papel, deixando-se levar pela vertiginosa espiral da loucura. Trabalhar a insanidade no cinema, na literatura, enfim, qualquer linguagem é sempre dolorido. Já é clichê lembrar-se de Heath Ledger? Um bom preparo psicológico para não se perder de si e acabar se misturando em demasia com seu desconhecido faz-se necessário. A segunda, tão plástica que traduz perfeitamente aqueles que conseguem conviver pacificamente com a troca de máscaras sociais sem esquecer sua essência. São os que aprendem com o exercício proposto por Thomas. Exclua a sexualidade desta e o conselho é: se permita. Por quantas vezes por pensar demais nos outros não nos permitimos experimentar o que poderia ter nos feito conhecer a nós mesmos de modo mais profundo? E quantas vezes nos permitimos e nos perdemos, encarando a vergonha de si mesmo? O equilíbrio é o que todos procuramos e é tão difícil encontrá-lo porque erguemos barreiras com nossas próprias mãos sem nos apercebermos.

Além da linda fotografia, Cisne Negro merece aplausos por tratar o teatro como um lugar sagrado, onde os fracos que não se entregam ao trabalho não tem chance alguma de manterem-se em pé. Levar o teatro para o cinema e ainda deixar o espectador com vontade de retornar a ambos, é algo louvável. As indicações a Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Atriz, Melhor Fotografia e Melhor Edição são a prova disso. Aguardemos até logo mais para saber se os esforços de Darren Aronofsky e os seus são reconhecidos pela Academia.

“True inspiration is impossible to fake.” – Arthur

Christopher Nolan brinda o cinema com um roteiro cheio de camadas e paradoxos que é levado à risca na construção de cada set de sua filmagem. A Origem (Inception, 2010) É um filme existencialista, metalinguístico, metafísico, psicológico, psicanalítico e outras dezenas de leituras que são possíveis no roteiro bem construído de Nolan, onde caminhos são abertos e fechados. A idéia do filme é tão ampla (porém não inteiramente complexa) que Nolan leva quase todos os primeiros cinqüenta minutos do filme para explicar o que é a extração e inserção de idéias através dos sonhos. Eu vou tentar resumir no próximo parágrafo.

Só nos damos conta de que estamos sonhando quando acordamos e percebemos que lá havia algo de errado. Nos sonhos nosso superego está com as defesas baixas, sendo possível descobrir segredos que no mundo real não seriam revelados tão facilmente. No mundo dos negócios a espionagem chegou a esse campo. Cobb (Leonardo DiCaprio) é o Extrator desses segredos, um especialista no assunto. Seu companheiro nas viagens em sonhos compartilhados é Arthur (Joseph Gordon-Levitt) que é seu Contato e grande parceiro. Nesse último trabalho, Cobb tem a oportunidade de limpar seu passado, que é extremamente complicado e por diversas vezes acaba afetando negativamente seus negócios. Dessa vez, Cobb é contratado por Saito (Ken Watanabe) não para extrair segredos, mas sim para inserir uma idéia em Fischer Jr (Cillian Murphy), filho de um grande empresário. Inseri é muito mais complicado do que extrair. Complexo e arriscado pois deverá ser implantada através do sonho dentro do sonho do sonho. Traduzindo: deverão chegar ao mais profundo do ser, sem se perder ou deixar perceber que a idéia não é natural de si. Para tanto precisarão de um time altamente valoroso, composto por Arthur, seu Contato, Ariadne (Ellen Page), a Arquiteta, Eames (Tom Hardy), o Falsificador e Yusuf (Dileep Rao), o Químico e se eu ultrapassar esse ponto final com mais detalhes estragarei todo seu filme, portanto sem spoilers.

Alfred Hitchcock certa vez disse que “ator é gado” e eu estou convencido. Como tentei apresentar no parágrafo anterior, cada personagem personifica uma função. Tal como especialistas tentam desvendar os signos dos sonhos, Nolan faz com seus atores para personificar sua idéia. Essa é a função de qualquer diretor. Então o que há de especial? Não esconder essa construção. É como se o diretor estivesse expondo a construção de um filme, desde sua idéia, passando pelo convencimento dos investidores e estúdio de que a idéia é viável, atravessando a busca dos melhores atores baseando-se no passado de cada um para melhor se adaptar ao papel, sem deixar de mostrar os problemas da realização da idéia culminando na grande estréia, o final do filme. Ao mesmo tempo esta tradução pode ser totalmente jogada pelos ares e fazermos uma leitura mais humana. Um homem buscando redenção, Leonardo DiCaprio fazendo o homem-de-passado-complicado-buscando-se-reconciliar-consigo-mesmo. E que maravilha ter a tradução da culpa em Marion Cotillard, a esposa de Cobb, Mal, que traz mistério em cada olhar, mostrando amor, ódio, condescendência sendo que não está disposta a ceder de seus sentimentos, e novamente se eu ultrapassar esse ponto final trairei a confiança de vocês.

Assim como os irmãos Wachowski fizeram na década (e século) anterior com The Matrix, em 1999 com seus bullet-times, personagens voando e com um roteiro caminhando na tênue linha do real e irreal obrigou o cinema a subir um (ou alguns) degrau(s), tanto tecnológicos como em roteiro e execução, se tornando o filme que traduziu uma geração, A Origem tenta e (em minha insignificante opinião) consegue fazer o mesmo. A cena da luta onde não há gravidade é incrível! Não é como as cenas de Matrix onde o sujeito criava suas próprias regras, desafiando ou criando uma nova lei gravitacional. Nessa cena a gravidade existe porém está ausente naquele momento. Quem vence é aquele melhor concentrado e por que não aquele indivíduo com a mente aberta a novas experiências, melhor adaptado a mudanças drásticas de situações. Uma símile a Vida?

Um cheiro de Oscar no ar.

Lembram daquelas séries de televisão com muita testosterona e pouca história? Lembram que mesmo com aquele pouco de história sabíamos da vida dos personagens, suas motivações e porque eles estavam naquela vida de foras da lei, ou seja, um certo nível de identificação? Pois é, Os Mercenários (The Expendables, 2010), promessa do Sylvester Stallone de dar um novo sopro de vida a esse tipo de filme morre na tentativa.

Barney Ross (Sylvester Stallone), Lee Christmas (Jason Statham), Ying Yang (Jet Li), Gunner Jensen (Dolph Lundgren), Hale Caesar (Terry Crews) e Toll Road (Randy Couture) são os Mercenários, um grupo de renegados que faz o serviço sujo para a quem pagar mais. Seu contato é Tool, Mickey Rourke em mais um personagem que só ele poderia fazer. O que deveria ser um filme com o melhor do antigo Esquadrão Classe A (The A-Team, 1983-87) na verdade se torna uma reunião de amigos nostálgicos. A história é o que se espera, garota-gata-de-uma-ilha-espanhola-pobre (Giselle Itié com um bom inglês) faz contato com os Mercenários pedindo socorro. Barney Ross ao conhecê-la aceita ajudar. Explosões, traições, socos, chutes, tiros e mais explosões depois, o fim. Sério, de história é isso aí. Há até a tentativa de deixar a história um pouco mais profunda com tramas de amor, não deixar de ajudar quando se pode fazê-lo para não se perder aquilo que te torna humano, mas é bem superficial, o que se espera desse tipo de filme. O ponto negativo é o modo como é apresentado: forçado e sem propósito até para esse tipo de filme. As cenas de luta são tão frenéticas que você até perde a pessoa para a qual estava torcendo. Fora a quantidade de sangue utilizada nesse filme, Tarantino deve ter gostado. O que falha em Os Mercenários é o exagero. Tudo é tão grande e rápido que não se cria identificação nem simpatia pelo sofrimento da filha do governador.

Lutas rápidas e sangrentas, frases de efeito dignas dos anos 80, Bruce Willis e Arnold Schwarzenegger naquela reunião de amigos, sangue, suor e lágrimas de Giselle Itié. Isso é Os Mercenários. Apesar disso tudo Jason Statham e Sylvester Stallone estão ótimos como eles mesmos.

Incerteza. Lugar das suposições e pré julgamentos. Quando se não está certo sobre algo ou alguém dizemos não ter uma idéia formada, um pensamento concreto. É exatamente nesse campo amorfo que Dúvida (Doubt, 2008, John Patrick Shanley) se desenvolve sem tomar forma específica.

Com câmeras fáceis e lindas fotografias, Dúvida trata de fé, posição da Igreja em relação ao mundo moderno (o filme se passa em 1964) e pedofilia, mesmo que essa palavra nunca seja dita ao longo do filme. Seu maior mérito é trabalhar duas cores e a incapacidade de misturarem-se. Explico. Em seu início, que trataremos ser o branco, vemos os personagens bem definidos. O padre Flynn (Philip Seymour Hoffman) e seu sermão sobre o benefício da dúvida em nossas vidas e fé. Um homem que deseja trazer a igreja para frente, modernizando seus sermões, ficando cada vez mais próxima das famílias, criando vínculos com os mais jovens. Do outro lado, o negro, temos a irmã Aloysius (Meryl Streep), a freira e diretora de uma escola católica do Bronx. Dura e de fé inabalável, que prefere se afastar de deus para executar a justiça divina com suas próprias mãos. É na incapacidade de mistura desses personagens que encontramos a imagem amorfa que permanecerá no filme. Flynn que no início parece irrepreensível demonstra excessos duvidosos de asseio e proximidade não recomendável com as crianças, em especial para com o único aluno negro da escola, Donald Miller (Joseph Foster) que também é coroinha de sua igreja. Um terceiro elemento nessa colcha de retalhos é a professora de Donald, a irmã James (Amy Adams) que de início vê maldade na relação Donald x Flynn, mas no decorrer do filme muda de pensamento e prefere dar o benefício da dúvida ao padre.

Duas seqüências que voltei várias vezes por puro deleite em ouvir o texto: Irmã Aloysious conversa com a mãe de Donald, a Senhora Miller por uma Viola Davis totalmente entregue ao personagem, uma mãe negra que sabe dos problemas que o filho enfrenta na escola sendo o único de seu tipo (social, racial) e mesmo assim, aconteça o que vier a acontecer, está decidida a deixar o filho sofrer agora para poder ter um futuro mais tarde. O diálogo fica todo no campo do subentendimento, nunca dizendo seus verdadeiros temores sobre o presente ou o futuro de Donald, ao passo que Mãe e Educadora se entendem e discordam. A outra é o último diálogo entre irmã Aloysious e o padre Flynn. Também amorfo, sem dizerem seus reais temores. Como uma batalha em que o cavaleiro que possui mais experiência naquele campo vence, porém uma vitória insossa, que não satisfaz. Falta a verdade, não importa o quanto se grite ou ciladas se armem.

Desnecessário comentar a atuação de Meryl Streep. Impávida e frágil ao mesmo tempo. Philip Seymour Hoffman também não decepciona com sua atuação dúbia, que nos deixa cheios de pontos de interrogação assim como Amy Adams, que transmite compaixão.

O final é previsível e mesmo assim surpreende. É ridículo e repetitivo o que falarei mas ao final do filme o grande sentimento da dúvida ainda pairava na minha cabeça. Se brasileiro o texto fosse, Machadiano seria. Seu grande mérito é falar de toda a hipocrisia e mentira da igreja sem levantar uma única bandeira, e mesmo ao levantar dúvidas sobre as motivações dela, leva em consideração a mesma hipocrisia que há na sociedade. E o benefício da dúvida que a todos é estendido? Até que ponto ele deve ser usado? Qual o limite que separa a boa fé nas pessoas da tolice individual? Todas questões para uma longa reflexão. Reflexão proposta pelo filme que, como numa obra de arte moderna, no início não tem forma definida. Cabe ao espectador ativar seus conhecimentos prévios e por conta própria montar seu quebra-cabeças.

O primeiro filme da franquia Toy Story foi em 1995. Eu contava dez anos de idade na sala de cinema com minha mãe, perfeito para que a magia fosse efetiva. Imaginava a Pixar com um departamento cheio de crianças e seus brinquedos enquanto uma enorme máquina imprimisse os sentimentos de cada uma delas. Claro, uma máquina que quando ninguém está por perto conversa com outras máquinas sobre o dia duro de trabalho. Já Toy Story 2 não tenho muitas recordações. É como se minha memória falhasse no ano de 1999, que particularmente foi bastante difícil. Mesmo assim, o sentimento de rever o Woody, Buzz, Rex, Senhor e Senhora Cabeça de Batata além de conhecer novos, como a vaqueira Jessie e os E.Ts foi enormemente satisfatório. Após quinze anos da estréia, eu com vinte e cinco anos e trocando de papel com minha mãe, fosse pego com os mesmos sentimentos de antes e com mais lágrimas nos olhos.

Não há como falar de Toy Story sem falar de si mesmo. É uma história humana sem personagens reais que gritam por sentimentos lá no fundo da nossa alma. Como pode um filme mostrar situações que jamais existirão em nosso mundo mas que evocam os sentimentos mais puros dentro de cada um de nós? Pode parecer demodê, mas a dificuldade em encontrar um amor verdadeiro, formar raízes verdadeiras, ter com quem se importar e ser importante para alguém pode ser a resposta. Woody é o companheiro de todas as horas e seu amor por Andy é incondicional, há raízes profundas nesses dois corações que se entrelaçam formando um vínculo mais forte que qualquer outra coisa. Não há como separá-los sem sofrimento dos dois lados. Da mesma forma, Woody se sente responsável pelos outros brinquedos do Andy, seus companheiros.

O que presenciamos em Toy Story 3 é um término e um início. A lição de “deixar para trás”, a maior demonstração de amor que pode existir. Quando se entende que não importa o lugar, a distância ou o tempo que os separa, o amor continuará sendo o mesmo sentimento imutável que é.

Fico imaginando o enorme estudo psicológico que a Pixar pode ter feito para finalizar e aprovar esse roteiro de Toy Story 3. Nenhuma das cenas é desperdiçada, cada fala tem seu motivo. Pode parecer exagero emotivo mas não é, a emoção é na medida certa. E não poderia ser diferente, afinal estamos falando da galinha dos ovos de ouro do estúdio. Como espectador só posso agradecer por poder acompanhar essa história, e é óbvio que estou esperando o box da série para apresentar para meus sobrinhos, filhos, netos…

Em tempo, levem lenços porque o curta Day & Night é um soco no estômago. Uma aula sobre diferenças e o que realmente somos. Humanos.

–UPDATE–

É, eu não conhecia esse Jax, Michael Jai White e seu passado sujo em Spawn (1997). Muito menos a loirinha do Law & Order, Jeri Ryan.

Para informação séria sobre  o filme/jogo/whatever que venha a ser esse vídeo que só na E3 ficaremos sabendo realmente o que é, leia esse texto do Gus Lanzetta lá no Arena Turbo ;D

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Tudo aponta para um fanservice bem feito. Um filme de fãs para fãs que morrerá no Youtube. Assim espero. O que tenho medo é dessa vontade louca do cinema de colocar na telona personagens dos quadrinhos, videogames e mangás só pelo dinheiro. Tudo bem que sempre fizeram isso com grandes títulos literários, mas o que realmente me dá medo é como tratam o pop. Tudo bem que é um gênero passageiro, efêmero por excelência, mas muitos filmes são produzidos para não durar nem mesmo a temporada em que está em cartaz.

Voltando para Mortal Kombat. a única versão que aceito é a de 1995, dirigida por Paul W. S. Anderson, que pelo visto ama videogame pois seu currículo conta com roteiro e direção do primeiro Resident Evil (2002) e os roteiros das sequências Apocalypse (2004) e Extinction (2007). Além de Dead or Alive em 2006 (se alguém assistiu pelamordedeus comentários).

Essa versão ainda colocou uma peruca branca lambida em Christopher Lambert para o papel de Rayden, e nos deu o melhor Liu Kang do mundo, Robin Shou, que também esteve em Dead or Alive e viveu o personagem Gen em Street Fighter: The Legend of Chun-Li. Mas essa última referência podemos esquecer para sempre de nossas vidas.

Será que alguém não assistiu a Homem de Ferro em 2008 porque achou que era mais um filme de nerd? Se você fez isso não cometa o mesmo erro nesse ano e corra para o cinema mais próximo! Homem de Ferro 2 é ótimo tanto quanto o primeiro, conseguindo agradar a todos os públicos. Como todo filme pop não é muito importante a ordem em que se assiste, afinal o vilão do primeiro é quase o mesmo do segundo. Ou seria o contrário?  Não importa, e se fosse necessário explicação  não seria um bom filme pop.

Marcado por uma excelente trilha sonora (RIP DJ AM), acompanhamos o declínio de Tony Stark. Primeiramente um declínio físico porque nosso herói está morrendo devido as toxinas em seu corpo. Quanto ao declínio moral podemos culpar o governo dos Estados Unidos, que está no pé do milionário narcisista para colocar as mãos em sua armadura. Tony se defende dizendo que ele é a arma, o Homem de Ferro, e se ele se entregasse isso “seria escravidão ou prostituição”, sendo ovacionado em seguida pelo público como o defensor da liberdade e paz mundial. Somando o excesso de confiança a um “pé na cova” chegamos a um Tony que perde a cabeça com a pressão e decide fazer tudo o que o deixa feliz, de um modo bem egoísta. Claro, um inimigo maior, o russo cheio de ódio (e vodka) Ivan Vanko, vivido por um Mickey Rourke que dá nojo. Acrescente a essa trama a linda, e agora ruiva, Scarlet Johansson como Viúva Negra e a bela e delicada Gwyneth Paltrow, caso você prefira loiras. Não podemos esquecer as bem trabalhadas cenas de explosão, com direito a luta no jardim japonês. Pronto. Temos um ótimo filme, excelente naquilo que se propõe, cheio de referências ao universo Marvel que agradará os fãs mais atentos.

Piadas rápidas e diálogos bem construídos na medida do possível, Homem de Ferro 2 é um sessão da tarde gostoso de se assistir várias vezes. Robert Downey Jr nasceu para o papel (frase já batida que continua verdadeira nessa sequência). A armadura é linda e crível. É interessante que Homem de Ferro 2 é mais do mesmo de si mesmo e ainda assim é bom. Não cresce sobre o primeiro, mas é bom. A confirmação disso é que todos quiseram trabalhar nesse filme. DJ AM é ele mesmo, Stan Lee brinca de Larry King, Samuel L. Jackson todo solto como Nick Fury e mais uma vez vemos o próprio diretor Jon Favreau interpretando o fiel Happy. Acho que é isso que torna o filme bom. Tem todo um clima de “estamos aqui para diverti-los por isso estamos nos divertindo”.

Particularmente não gosto dos Vingadores, mas sou muito fã do Thor. Então por favor não saiam da sala de cinema antes dos créditos terminarem.

É legal vocês saberem que Mickey Rourke foi fundo no personagem Ivan Vanko, pesquisando cada uma das tatuagens que o personagem sugeria. Cada uma das tatuagens que vemos no corpo do personagem tem um significado de gangues que Ivan poderia ter feito parte e prisões russas nas quais ele poderia ter estado!

O filme que unirá os até então vistos Hulk, Homem de Ferro e os outros Vingadores ainda não vistos porém com data marcada para 2011, Thor e Capitão América, está prometido para 2012. Falta muito para 2012?

Uma Alice (Alice in Wonderland) óbvia. Revoltada com sua sociedade cheia de máscaras e um sistema econômico que a obriga a se casar na flor da idade com um homem que não ama, Alice descobre que seus pesadelos com um mundo onde os animais podem falar, líquidos fazem você diminuir de tamanho e bolos podem fazer você esticar até além do teto, não estão apenas na sua cabeça. São lembranças de experiências vividas anteriormente e que agora deve aventurar-se mais uma vez para salvar o país maravilhoso que conheceu.

O visual é realmente incrível, de um figurino primoroso. Tudo faz acreditar que aquele mundo maluco é possível em seus sonhos. Não se podia esperar menos de Tim Burton. Johnny Depp está um Chapeleiro Maluco que apenas ele poderia encarnar e Mia Wasikowska interpreta Alice muito bem. Particularmente não gosto de filmes 3D, os óculos me incomodam e há diretores que exageram neste recurso, explorando os efeitos visuais e esquecendo o mais importante, a história. Não é o caso de Alice, que faz uso do 3D com maestria, sem exageros. Acho que esse é o problema de Alice. Ser tudo muito “ok” e nada extraordinário.

O fato de Alice ter dúvidas de ser ou não a Alice tão aguardada pelos seres do subterrâneo e completar seu destino no “Dia Frabuloso”, que prometia uma enorme festa com a dança especial do Chapeleiro, a futterwacken, é resolvida de modo fácil, porém crível. Me incomoda muito ver questões complicadas serem resolvidas de modo fácil. A crise de insanidade ou identidade do Chapeleiro não é explorada. Alice descobrir onde está a espada Vorpal é tão fácil quanto barganhar com o animal que primeiro a havia ferido. Alice aguardar o Dia Frabuloso ao lado da Rainha Branca sem nem conversar direito com esta e descobrir mais a respeito daquele mundo e porque ela e não outra pessoa, que é o que a incomodava, não existe.

Com uma cena de luta digna, Alice que lutava contra seu destino o aceita, o cumpre, e se vai. Simples assim. Os eventos vividos no País das Maravilhas ficaram marcados em seu coração? Com certeza. Em seu retorno ao mundo real Alice desmascara, com toda a delicadeza inglesa que lhe cabe, as pessoas falsas, mentiras e imposições sociais que lhe cercavam e tanto a faziam mal. Só pôde fazê-lo por ter reencontrado suas forças (ou seria rude dizer culhões?) e crescido com as experiências vividas em sua viagem maravilhosa.

Esse sentimento de “é bom mas poderia ter sido mais” se deve por ser um filme Disney. Se Tim Burton tivesse produzido e dirigido o filme de modo independente ou por qualquer outra produtora/distribuidora, quem sabe não teríamos uma Alice em um País das Maravilhas mais sombrio e adulto com questões e personagens mais bem definidos? Novamente o Monstro da Expectativa ataca. É um bom filme. Mas poderia ter sido mais. (3/5)